モナリザは現在、ルーブル美術館の象徴的な作品ですが、実はかつて盗難に遭ったことがあります。
この絵が有名になった一因は、1911年に盗難事件が発生したことです。
フランス人清掃員がルーブル美術館からモナ・リザを盗み、2年間行方不明になりました。
最終的にイタリアで発見され、絵画自体が世界中で注目を浴びました。
また、「モナ・リザの微笑」の神秘性が多くの学者や作家を魅了し、「彼女は何を考えているのか」と議論が続いています。
事件の概要
1911年、イタリア人のペルージャという男が『モナ・リザ』を盗みました。
ペルージャは、ナポレオンがイタリアから多くの美術品を持ち去ったことに憤りを感じ、
モナ・リザを「イタリアに返還する」という愛国心からこの行動を取ったと言われています。
その後の発見
彼はフィレンツェで作品を売ろうとした際に捕まり、絵画は無事ルーブル美術館に戻されました。
この事件により『モナ・リザ』の知名度が世界的に高まったという意外な副産物もありました。
ゴッホの『ひまわり』シリーズは彼の最も有名な作品の一つですが、
背景には彼の友人で画家のポール・ゴーギャンとの関係が深く関わっています。
ゴッホはひまわりを少なくとも11点描いていますが、その一部は親友ポール・ゴーギャンを喜ばせるためのものでした。
アルルの「黄色い家」でゴーギャンと共同生活を送る際、ゴッホは部屋を明るくするためにひまわりを飾りたいと考えました。
しかし、この生活は短命に終わり、彼らの友情は破綻しました。
それでも、ひまわりはゴッホの代表作として残り、彼の生涯を象徴する作品となっています。
友情の始まりと終わり
ゴーギャンを自分のアトリエに招き入れるため、ゴッホはアトリエを明るく飾りたいと考え、
『ひまわり』を描きました。
しかし、二人の性格や芸術的な意見の違いから共同生活はわずか数か月で破綻。
ゴッホは精神的に不安定になり、自ら耳を切り落とす事件を起こします。
絵の意義
『ひまわり』は、ゴッホのゴーギャンへの友情と希望を象徴する作品として、今なお多くの人々に感動を与えています。
この絵は実は正式には「夜警」というタイトルではなく、当初「フランス・バニング・コック隊長の市民隊の出発」と呼ばれていました。
「夜警」と呼ばれるのは、18世紀に汚れたニスが絵を覆い、暗い夜の場面のように見えたためです。
後に修復作業によって本来の明るい色彩が明らかになり、昼間のシーンであることが分かりました。
ノルウェーの画家エドヴァルド・ムンクの『叫び』は、個人の不安と現代社会の孤独を象徴する作品です。
ムンク自身はこの作品について、「赤い空の下で、自然が叫んでいるのを聞いた」と述べています。
この絵の背景となった赤い空は、1883年に発生したクラカトア火山の噴火によるものと考えられています。
この噴火によって、世界中で空が異様な赤色に染まったことが記録されています。
また、この作品もたびたび盗難被害に遭い、1994年と2004年には実際に盗まれましたが、いずれも回収されています。
ムンクは自らの体験を元にこの作品を描きました。
彼が夕暮れ時のオスロ湾を歩いているとき、不気味な赤い空に包まれ、強烈な不安に襲われたといいます。
その感覚を視覚化したのが『叫び』です。
『叫び』は一つではなく、ムンク自身が手がけた4つのバージョンがあります。
絵画だけでなく、パステル画やリトグラフも存在しています。
この作品の制作には困難が伴いました。
ダ・ヴィンチは乾燥時間を気にせず自由に修正できるように壁画に油絵の技法を取り入れましたが、
これが原因で絵は時間とともに劣化が進みました。
また、宗教的内容に加え、各弟子たちの個性豊かな表情や仕草に多くの謎が隠されているとして、
長年にわたり研究が続けられています。
中でも「ユダの手には銀貨があるのか」や「左にいるのはマグダラのマリアではないか」という説など、多くの議論を呼んでいます。
この作品は、農村アメリカの典型的な家と、その前に立つ男性と女性を描いたものです。
興味深いのは、実際のモデルが夫婦ではなく、ウッドの妹ナンと彼の歯科医であったことです。
この絵は、当初「田舎を皮肉った風刺画」だと受け取られましたが、現在ではアメリカ中西部の象徴とされています。
また、絵に登場する家は実在し、アイオワ州にあるゴシック様式の建物がモデルです。
この作品は、スペイン内戦中にナチス・ドイツが行ったゲルニカ爆撃に対する抗議として描かれました。
ピカソは、この絵を制作している間に多くの人々に影響を与えましたが、中でもナチスの将校との逸話が有名です。
将校がピカソに「これはあなたが描いたものですか？」と尋ねると、
ピカソは「いいえ、あなたたちがやったことだ」と答えたと言われています。
この作品は戦争の恐怖を象徴しており、政治的メッセージを込めた美術の代表例です。
この作品はスペイン共和政府の依頼で制作されました。
ゲルニカの町は無差別爆撃を受け、多くの市民が犠牲に。
ピカソはこの惨劇を目撃していませんが、報道や証言を基に強い怒りを込めて描きました。
モノクロームで描かれた『ゲルニカ』には、泣き叫ぶ母親や倒れた戦士、暴れ回る馬など、戦争の恐怖と苦しみが象徴的に表現されています。
この作品は現在でも反戦運動の象徴として語り継がれています。
フェルメールの『真珠の耳飾りの少女』は「オランダのモナ・リザ」とも呼ばれていますが、
実はこの少女の正体は謎に包まれています。
この作品は「北方のモナ・リザ」とも呼ばれますが、
そのモデルについては未だ謎に包まれています。
一説にはフェルメールの娘がモデルだったとも、フィクションの人物だったとも言われています。
さらに、彼女が身につけている真珠の耳飾りも、実際には真珠ではなく光を反射する金属製の飾りだった可能性があります。
この絵は物語性に富み、2003年には映画化され、さらに多くの人々に愛されています。
一説では、フェルメールの娘がモデルだったのではないかと言われています。
しかし、実際には特定の人物をモデルにしたわけではなく、理想化された女性像である可能性も高いです。
ターバンを巻いた女性像は、当時ヨーロッパで人気のあった「オリエンタリズム」的要素を反映しています。
フェルメールは光と色彩の使い方が卓越しており、シンプルな構図ながらも鮮やかな印象を与える作品に仕上げています。
マネの『草上の昼食』は、19世紀フランスで非常に物議を醸した作品です。
この作品は当時、スキャンダルの的となりました。
ピクニックをしている2人の男性が完全に服を着ているのに対し、
同席する女性が全裸だったことが問題視されました。
また、遠くの女性が異様に大きく描かれており、画法的にも常識外れとされました。
それでも、現代ではこの大胆さが逆に高く評価されています。
この絵は印象派の先駆けとされる重要な作品です。
絵には2人の服を着た男性と、裸の女性が描かれています。
当時のヨーロッパ美術では神話や歴史のテーマで裸婦が描かれることは普通でしたが、
マネの女性像は神話の登場人物ではなく、現代の女性をそのまま描いたように見えたため、
挑発的だと受け取られました。さらに、女性が観客をじっと見つめている姿勢も「不道徳」だと批判されました。
当初の批判にもかかわらず、『草上の昼食』は近代絵画の先駆けとされ、後の印象派の画家たちに大きな影響を与えました。
「星月夜」はゴッホが精神病院に入院していたときに描かれました。
この作品は彼が窓から見た夜景を基にしていると言われていますが、実際の風景をそのまま描いたのではなく、
ゴッホ自身の感情や想像が大きく反映されています。
また、この絵に描かれている教会の塔は、彼の故郷オランダのものを思い出して描いたと言われています。
この作品は、彼の内面の葛藤と精神的な世界観を象徴するものとして多くの人々を魅了しています。
モネの「睡蓮」シリーズは、自宅の庭にある池を題材にしていますが、この庭自体が彼の作品の一部と言えるほど綿密に設計されていました。
特に、池にかかる日本風の橋や植物の配置には、モネの美学が存分に反映されています。
モネは視力が悪化していく中でも描き続け、後年の睡蓮の作品は彼のぼやけた視界が影響しているとされています。
印象派という名前は、実は批判的な意味合いを込めて生まれたものです。
名前の由来
モネが1872年に描いた『印象・日の出』は、
1874年に行われた第一回印象派展に出展されました。
当時の批評家ルイ・ルロワが、この絵の曖昧な表現を揶揄して「印象だけで描いたもの」と非難しました。
しかし、この名称がそのまま新しい美術運動の象徴となり、画家たちが自ら「印象派」と名乗るようになりました。
モネの『印象・日の出』は、ハヴル港の朝の光景を描いたもので、具体的な形よりも光と色の印象を重視しています。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
エル・グレコの代表作『オルガス伯の埋葬』は、
スペインのトレドにある教会のために描かれた宗教画です。
この絵は、オルガス伯という実在の人物が死後に天国に迎え入れられる様子を描いたものです。
作品は地上と天上の二層構造になっており、下段では伯爵の遺体が丁寧に埋葬される様子、上段では天国への昇天が表現されています。
エル・グレコの人物描写は、長い体躯や神秘的な色使いが特徴です。
この独自のスタイルは当時の画家には珍しく、20世紀になって再評価されました。
ウィーンを代表する画家グスタフ・クリムトの『接吻』は、
黄金の装飾と情熱的な愛が融合した名作です。
クリムトは金箔を用いることで、絵に豪華さと神聖さを加えました。
この技法は中世の宗教画やビザンティン美術にインスパイアされていますが、テーマは現代的な愛の表現です。
絵に登場する女性は、クリムトの長年のパートナーでありミューズであったエミリー・フレーゲだと考えられています。
作品全体が二人の深い感情を象徴しており、クリムトの最も愛された作品の一つです。
シュルレアリスムの代表作であるサルバドール・ダリの『記憶の固執』は、
溶ける時計を描いた不思議な作品です。
ダリは、この溶ける時計を「時間の流動性と主観性」を象徴するものとして描きました。
固定観念に縛られない世界を表現することで、現実と夢の境界を曖昧にしています。
彼は作品について、「カマンベールチーズが溶ける様子を見て思いついた」と語っていますが、同時に作品には深い哲学的な意味が込められていることも明らかです。
江戸時代初期の日本画家、俵屋宗達の代表作「風神雷神図屏風」は、
空白を大胆に使う構図が特徴です。
この作品は、狩野派や琳派に影響を与えただけでなく、
俵屋宗達の実在すら不明確だった時代もありました。
彼の「名も無き天才」という伝説は、近代になって再評価されたことで芸術の神秘性を強調しています。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
尾形光琳の傑作「紅白梅図屏風」は、日本画の象徴的作品の一つで、
特に大胆な金箔背景と抽象的な流水の表現が注目されています。
実は、流水部分の独特な模様は、金属製の型を用いて作られた可能性があり、
光琳が従来の技術に挑戦した斬新な試みとされています。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
伊藤若冲の代表作「動植綵絵（どうしょくさいえ）」は、
30点以上の屏風に細密な動植物が描かれた圧巻のシリーズ。
若冲はこの作品を完成させるために、自ら飼育した鶏を観察し続け、
晩年はほとんど人と接触せずに制作に没頭しました。
「白象と鯨図屏風」には、当時の日本には見られない動物が描かれており、
海外からの情報や想像力を駆使したことがわかります。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
葛飾北斎は晩年に至るまで「もっと上手く描ける」と技術向上を目指し続けました。
北斎は93歳で亡くなる直前まで筆を握り、「あと10年生きれば本物の画家になれる」と言ったという逸話があります。
彼の浮世絵「冨嶽三十六景」は日本のみならず世界的にも評価され、特に「神奈川沖浪裏」はフランスの画家モネやドビュッシーにも影響を与えました。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
桃山時代の画家、狩野永徳は豊臣秀吉や織田信長に仕え、
屏風絵を通じて権力を誇示する芸術を確立しました。
彼の作品「唐獅子図屏風」は、金箔の贅沢な使用が特徴で、
観る者に圧倒的な威圧感を与えるために制作されました。
永徳の弟子たちはその後も「狩野派」として江戸時代の日本画壇を支配しました。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
近代日本画の巨匠、横山大観は「朦朧体」と呼ばれる曖昧でぼやけた描写を採用しました。
当時、朦朧体は批判の的となり、
「日本画を堕落させる」と言われましたが、結果的には大観の個性として高く評価され、
現代の日本画にも大きな影響を与えました。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
室町時代の画僧・雪舟（せっしゅう）は、
幼少時代に寺で修行中、絵ばかり描いて叱られたと言います。
その際、涙で濡らした床に指でネズミを描き、
その見事さに住職が彼の才能を認めたという伝説が残っています。
この革新的な手法が、当時の伝統的な絵画観に挑戦するものとして注目されました。
尾形光琳が描いた「八橋図屏風」は、
伊勢物語の一節に基づき、美しいカキツバタを大胆な構図で描いた作品です。
実はこの作品は、当時の徳川家康が茶の湯や文化を通じて権力をアピールする一環として依頼したとも言われています。
こうした屏風絵は、武士階級の間で「文化的教養」の象徴として用いられました。
江戸時代初期の画家、狩野探幽（たんゆう）は、将軍徳川家光のもとで多くの襖絵や屏風を手掛けました。
彼の速筆ぶりは伝説的で、1日に100枚以上の下絵を仕上げたとも言われています。
一方でそのスピードが「雑ではないか？」と批判されたこともありましたが、
彼の描線はどれも非常に正確で美しいものばかりでした。
円山応挙（まるやまおうきょ）は、日本画に写実主義を取り入れた先駆者とされています。
彼は弟子たちに「何よりも自然を観察せよ」と説き、鳥や動物の剥製を使って写生を行いました。
応挙の描いた幽霊画では、脚を描かないことで「幽霊の不気味さ」を表現するなど、独自の工夫が見られます。
この表現は後の幽霊画のスタンダードとなりました。
雪舟は中国の南宋画に影響を受けたことで知られていますが、
その中国への憧れから、50代にして実際に中国へ渡航しました。
中国の画壇ではあまり高い評価を受けられなかったという説もありますが、帰国後はその経験を活かし、日本独自の水墨画を確立しました。
彼の「天橋立図」には、日本的な風景美と中国的な技法が見事に融合しています。
広重の浮世絵「東海道五十三次」は、当時の庶民の旅ブームを背景に制作されました。
現代で言えば観光ガイドのようなもので、絵を見ることで旅した気分を味わえるとして大人気でした。
実際、広重自身が東海道を旅して描写を緻密に再現しており、
絵の中にはその時代の旅人や宿場町の生活が生き生きと描かれています。
琳派は尾形光琳をはじめとする芸術家たちが築いた装飾的な日本画の流派ですが、
その人気は後世まで続きました。
特に酒井抱一は琳派の再興に尽力し、琳派の作品を再び高い芸術品として位置づけました。
抱一が尾形光琳の名前を「ブランド化」したことで、琳派作品は贅沢品として珍重されるようになりました。
竹内栖鳳（せいほう）の代表作「斑猫（はんびょう）」は、
日本画でありながら非常に写実的な描写で知られています。
この猫は一見するとまるで写真のようなリアリズムを持ちますが、
近くで見ると墨の滲みや筆の動きがわかるという独特の手法で描かれています。
栖鳳の「日本画の枠を超えた挑戦」は、近代日本画の革新の一端を担いました。
菱田春草の「落葉」は、日本画に西洋の遠近法や光の表現を取り入れた傑作として知られます。
しかし、当時はその革新的な技法が理解されず、厳しい批判を受けました。
春草は失意のまま若くして亡くなりますが、現在では彼の作品は日本画の進化を象徴するものとして高く評価されています。